diumenge, 16 de novembre de 2008

LA FRATERNITAT DELS PRERAFAELITES III



Dante Gabrielle Rossetti





Neix a Londres el 2 de maig de 1828, el seu avi era italià i havia emigrat a Anglaterra a la recerca de treball. El seu pare, patriota i nacionalista, havia estat llibretista del gran Rossini, s'havia vist obligat a abandonar Nàpols per idees polítiques el 1824. El 1831 farà de professor d'italià en el King’s collage. La família Rossetti era nombrosa, Dante tenia un germà i dues germanes, una de les quals serà cridada a vestir els hàbits anglicans.
Ja des de jove es va acostar al món literari, llegia als grans, com Poe, Dante o Blake, que prendrà com a inspirador eix dels seus llenços. Entra en la Sass’s Drawing Academy, i, després, en 1845 en la Antique School de la Royal Academy.
El 1845, després de ser admès en la Royal Academy, rep lliçons del mateix Ford Madox Brown; comença a ser assidu a les reunions del Cyclographic Club, on coneix a Hunt i a Millais, fundant així la fraternidad. El 1854 coneix al famós Ruskin, teòric d'art d'obligat coneixement per a molts autors, escriptors o pintors, com el propi Rossetti o l'escriptor Oscar Wilde, de qui es fa amic íntim immediatament. Per la mateixa època, exerceix de professor del futur artista Burne-Jones i de Morris, amb qui realitza alguns frescos a la Oxford Union el 1857.
A partir de 1860 comença la llegenda i el mite de Rossetti, que li perseguiria tota la seva vida. En aquest any, després d'un llarg i turmentat festeig, es casa amb Elizabeth Siddal, una bella model, amb pretensions d'artista, a qui Rossetti havia conegut anys abans mentre ella posava per a la famosa pintura Ofelia, de Millais.






Fig. 2 i 3 Fotografia i dibuix de Elisabeth Siddal


Rossetti es va obsessionar fins a tal punt amb Elizabeth que la representava en tots els seus quadres, especialment com Beatriz, l'estimada de Dante Alighieri, autor amb el qual Rossetti s'identificava profundament i al que admirava sense reserves. La relació va ser de seguida un vaivé d'alts i baixos, promoguts per diferents raons, una va ser el delicat estat de salut de la jove, la seva gelosia reiterada i el fet comprovat que Rossetti era un seductor inconstant i turmentat, que va tenir diverses aventures amb les seves pròpies models, entre elles Fanny Cornforth i Anne Miller.





Figs. 4 i 5 Dibuix i retrat de Fanny Cornforth com a Maria Magdalena.





Fig. 6 i 7 Dibuix i pintura de Anne Miller, com a Helena de Troia



Per a rescabalar-se del comportament de Rossetti, Elizabeth es va dedicar, amb un èxit més aviat modest, a la pintura i a la poesia. Un any després de les noces entre Siddal i Rossetti, aquesta va donar a llum al maig a una filla morta, la qual cosa la va deixar en un estat de profunda malenconia, que va provocar el seu posterior suïcidi amb làudan. Aquest tràgic succés va marcar per a sempre a Rossetti, qui, acorralat pel remordiment, va sofrir durant la resta de la seva vida depressions recurrents, que es van accentuar amb la seva addicció a l’opi, la droga de l'època, a l’alcohol i al cloral, forta medicina que li produïa visions.
Precisament aquesta malenconia interna i els seus problemes d'alcoholisme, dels quals feia gala Rossetti van ser els causants del seu èxit entre els col·leccionistes, que aclamaven els seus quadres d'índole renaixentista, sempre representant belles dones (gairebé sempre pèl-roges) en un estat de tristesa o de ensonyadora quietud.
No obstant això, encara va ser protagonista, abans de la seva mort, d'altre escàndol: el 1857 va conèixer a l'esposa del seu alumne William Morris, Jane Morris, de soltera Burden, de qui es va enamorar perdudament, i ella d'ell.








Figs. 7 i 8 Fotografia i dibuix de Jane Morris

La torbadora i llarga relació, que va arribar a ésser de domini públic, s'accentuava amb les freqüents visites que Jane feia a Rossetti, posant regularment per a ell en els seus quadres, mentre Morris suportava la infidelitat de la seva esposa amb estoïcisme. Durant la dècada dels setanta, Rossetti va publicar un llibre de poesia que va ser acollit amb disgust entre els crítics, la qual cosa li va provocar certa mania persecutòria, a més de nous estats de depressió; esgotat per les males crítiques i el seu estat personal, va tractar de suïcidar-se amb làudan, el mateix mètode utilitzat anys abans per la seva esposa Elizabeth, però al final no va aconseguir el seu propòsit. Noves comandes de col·leccionistes van animar un poc el seu estat, i va continuar pintant les seves ja famoses dones maleïdes durant molts anys. El 1881 publica una nova edició del seu llibre Poems, i un nou volum, Belades i sonets. A l'any següent, durant un viatge amb el seu pupil Thomas Hall Caine moriria en Kent.
L'obra de Rossetti és molt prolífica i es distingeix pels seus coneguts temes, recurrents i similars entre si, en els quals la dona és l'absoluta protagonista, especialment, l'enaltida com heroïna, maleïda, seductora, tràgica... es va basar en poemes propis, en les obres de Dante i en altres temes literaris que Rossetti coneixia bé gràcies als seus extensos coneixements.
Aquí podem veure alguna d'aquestes darreres obres, de la model Alexia Wilding, amb la que també s'insinuà tingué una relació.



Figs. 8 i 9 Dibuix i retrat de Alexia com a "Blessed Damezel"


Va deixar la Germanor Prerafaelita el 1863, però va mantenir el seu mateix estil pictòric en obres posteriors. La seva pintura va influir en el desenvolupament del moviment simbolista europeu.
Cap al final de la seva vida, Rossetti va caure en un estat mòrbid, enfosquit per la seva drogoaddicció i la seva creixent inestabilitat mental i emocional, possiblement empitjorada per la seva reacció als salvatges atacs de la crítica sobre la seva poesia.
Va passar els seus últims anys retirat, com un reclús. Va morir en Birchington, Kent, Anglaterra.
Rossetti va ser l'ànima i esperit total de la fraternidad dels Prerafaelites. Sense poder ser considerat millor pintor o dibuixant que uns altres com Millais o Hunt, la seva passió al representar els temes, la seva turbulenta biografia i els seus quadres, replets de missatges al·legòrics i misteriosos que van influenciar als autors del corrent simbolista, parlen per si sols i el situen com a màxim expositor dels prerafaelites.
Els seus quadres més famosos són “Venus Verticordia” del 1868, “L'estimada”, del 1865, “La enguirnaldada”, del 1873 i “Astarte Syriaca” del 1877, “Beata Beatrix” del 1863.


Fig. 10 "La enguirlandada"

“L'Adolescència de María”





Realitza aquesta obra -que hem pogut veure en la primera part d'aquests escrits sobre la fraternitat- entre 1848 i 1849 per a exposar-se en la Free Exhibition, a Londres. El llenç va ser comprat per la marquesa de Bath. Va ser la primera obra en la qual a més de l'obra apareixen les sigles P.R.B. l'obra actualment es troba en la Tate Gallery de Londres.
L'obra està clarament inspirada en els grans pintors italians. Els noms dels personatges estan escrits en els nimbus sobre els seus caps. Rossetti explica el significat religiós de la seva obra en una carta que explica al seu oncle Charles Lyell. Al principi havia pensat posar dos àngels, però no va ser així. L'únic àngel que col·loca porta el lliri, com símbol de puresa de la verge i de la seva mare, santa Ana, anunciant la virginitat d'ambdues. Els sis llibres apilats en el sòl, indiquen les tres virtuts teologals (fe, esperança i caritat) i les tres cardinals (prudència, temprança i fortalesa, manca la justícia).
Per a Sant Joaquim va posar Old Williams, un servidor de la família. La vinya és un símbol eucarístic, igual que l'enreixat en forma de creu, i el drap vermell, al·legoria de la mort i passió de Crist. A la finestra, al costat del drap vermell trobem una rosa i un setrill, aquest és símbol de María Magdalena, la deixeble fidel de crist i una de les dones que van descobrir el sepulcre buit. En el sòl, vam observar un palmell, com símbol del martiri que va sofrir crist. Observem la minuciositat dels detalls del quadre. La realitat que dóna Rossetti a l'obra és espectacular. Si prescindíssim de l'àngel podria tractar-se d'una escena quotidiana familiar.
“Ece Ancilla Domini” Al març de 1850 pinta aquesta obra., serà exposada en la Nacional institution Gallery.


Fig.11


Havia revelat ja a un amic en aquesta ocasió el simbolisme de les sigles P.R.B. Actualment es troba en la Tate Gallery de Londres. Estem davant una interpretació de la anunciació de la verge María que és representada com una adolescent indiferent i atemorida, pàl·lida no tant per candor espiritual quant per confusió, sembla una noia malalta. La model d'aquesta pintura seria la seva germana. Apareix vestida amb un hàbit o el que recorda a una bata d'hospital. Aquesta espantada per l'aparició de l’arcàngel, un jove efeb missatger que apareix del no-res amb una túnica que acaba en flames en els peus. L’arcàngel l'apunta amb la vara de nards que simbolitza la virginitat com si l'amenacés amb un punxó, directament al sexe.
La seva obra és intensament mística i primitiva. El blau dóna una sensació gèlida, inhumana, donant una sensació accentuada d’irrealitat a l'obra. Observem també que el drap que estava brodant la verge en el quadre de la seva infància, apareix aquí acabat. El purisme del dibuix, nexe d'unió amb altres artistes europeus del segle XIX com Ingres o Overbeck, serveix d'eina per al realisme.

“La salutació de Beatrize (1859)”




Fig. 12


Rossetti ens conta la Història personal del Poeta Dante. Dante conta a l'edat de nou anys s'enamora "a primera vista" d'una nena a la qual ell anomena Beatrice. Nou anys després, als divuit, torna a creuar-se amb ella. Aquesta li saluda i l'Amor aclapara al pobre Dante. Beatriz està per sobre de les passions humanes, pertany a l'esfera celeste ("dona angelical"). La seva major il·lusió es converteix a ser saludat per ella en creuar-se pels carrers de Florència. No obstant això, oculta curosament l'amor que sent per ella cortejant a una altra dama. Beatriz s'assabenta i li nega la salutació. A l'esquerra es veu la trobada entre Dante i Beatrize, on aquesta li nega la salutació; a la dreta el poeta retroba la seva estimada en el paradís (veure “El somni de Dante” per a entendre el complet significat del quadre). L'àngel del centre duu un rellotge que marca les nou, hora en la qual va morir Beatrize, dalt esta escrit el dia: 9 de Juny de 1290 .
“L'esposa estimada” Aquesta obra va ser encarregada en 1865 a Rossetti per Georges Rau.




Fig.13



Inicialment es va concebre per a representar a Beatrice, mostrant així la passió de Rossetti per la Divina Comèdia de Dante, però va preferir definitivament inspirar-se en un tema bíblic. Continuant amb la tradició de la germanor, sobre el marc escriu alguns versos, en aquest cas del Cantar dels càntars (ja que el tema de l'estimada esta tret del Cantar dels Càntars IV) igual que el Salm 145. La figura central encarna a Beatrice, que es troba envoltada per quatre dames, posades de forma simètrica. El tocat que duu és complex i bell i està molt elaborat, demostra l'atenció de l'autor per les creacions del Art nouveau. El vermell i or del fermall contrasten amb els cabells castanys de la noia i el fantàstic vel verd ple de moviment i volatilitat. La llum il·lumina el rostre de l'estimada de manera uniforme i intensa ressaltant així la pell blanca i fina de la jove.
Com totes les composicions de Rossetti d'aquesta època, Beatriu mira a l'espectador, amb una mirada alhora sensual i malenconiosa. En gairebé totes les pintures de Rossetti es mostra el gust d'aquest per les flors, les plasma en els seus llenços donant-los diversos signifiqueu-vos encara que de vegades com mer fet decoratiu. La jove de color, porta una cistella amb lliris. El lliri, apareix en les escenes religioses lligat a la puresa de la Mare de Déu, i en l'edat mitja en les mans de retrats de joves dames indicant la seva castedat. Les flors dels cantons superiors demostren el domini floral de Rossetti: les tintes són clares i lluminoses, amb pinzellades de blanc, vermell i groc. Demostra una maduresa expressiva pel detallat disseny, pot ser que influït per la manera de pintar de Manet, al que havia conegut tot just uns mesos abans de pintar el quadre.


“El somni de Dante” Va Ser pintat a l'oli en 1871,




Fig.14

D'unes grans dimensions: 210,8 x 317,5 cm. Ratifica la seva passió per la Divina comèdia de l'escriptor medieval Dante, aquesta serà una de les seves últimes obres dedicades a la “vita nuova” de Dante. L'episodi que ens plasma recull la continuació del que ja hem vist en “la salutació de Beatrice”, Dante cau greument malalt i durant la seva malaltia té un malson que és un presagi de la mort de Beatrice. En ella, veu a l'Amor sostenint a una dona que està embolicada en un sudari.

L'Amor diu a Dante: -"Sóc el teu Déu" i li mostra el seu cor. Sosté amb una mà a Beatriz i amb l'altra, el cor ardent de Dante. Llavors, reclina a Beatriz i li dóna a menjar del cor ardent. Ella ho menja amb reticència. Finalment, l'Amor molt trist agafa a Beatrice i la hi duu al cel.

En el llenç veiem en el centre el moment que l'amor de la mà de Dante, besa a Beatrice per a dur-se-la al Paradís. L'escena és escortada per dues dones fatals de Rossetti donant simetria a l'escena. El vermell, símbol de l'amor passional, ho veiem en les curoses roses del sòl i en la vestimenta de l'amor.

“Concert en el Prat” (1871-1872)





Fig.15



Els quadres de dones tocant instruments musicals eren d'alló mes sol·licitats, potser perquè inspiraven sensualitat al públic masculí de l'època victoriana anglesa i Rossetti va fer diverses rèpliques però amb lleus diferències. Podem apreciar clarament la cura exquisida que utilitza en els instruments i en les precioses i delicades mans de les donzelles. Aquestes dues donzelles instrumentistes tenen nom i cognoms es tracten de Maria Spartali i Alexa Wilding. Rossetti utilitzaria a aquestes dos models en la mateixa posició però incloent un angelet entre elles per a crear el 1872 un dibuix a pastís sobre paper.

Les dues ballarines estan en la part central del quadre, creant una doble composició simètrica amb les instrumentistes i creant un joc entre les quatre de mirades cap a l'espectador i el paisatge del llenç. Simetria també apreciada en els colors dels vestits, el verd i el vermell. Rossetti, havia començat la tela en 1850 pintant el meravellós paisatge del fons, recreant les proximitats de la casa de Hunt en Kent. Ho volia utilitzar per a una composició de Dante en el Paradís amb Beatrice, però no li va convèncer el projecte i va decidir abandonar-lo.



"Proserpina (1874)"




Fig.16



Proserpina, raptada per l'Hades, déu dels inferns i que va haver d'alliberar-la, però amb la condició que no mengés gens en el retorn; Hades la va enganyar perquè mengés sis llavors de magrana, fruit dels morts, que l'obligaven a tornar sis mesos cada any, un per cada llavor. La deessa és representada segons un cànon comú al romanticisme i al simbolisme: la barreja de bellesa i mort s'indica amb el pèl negre i una posi sensual de dona fatal. En la seva mà, la magrana al·ludeix al mite i també, en clau simbòlica, a la mort i la sang. Tornem a veure una de les dones fatals de Rossetti barreja de sensualitat i tristesa. Va pintar diverses vegades el mite de Proserpina, camuflat de vegades en altres temes, com en el següent quadre que podem observar, curiós detall la semblança de les figures, pel que podria tractar-se de la continuació del mite de Proserpina.



“El somni amb els ulls oberts (1880)”



Fig.17


La Model triada per a aquesta obra serà Jane Morris, la qual apareix vestida de verd i passa distreta entre la vegetació, creant així una al·legoria a la naturalesa i retorn de la primavera. El títol original per al quadre era Monna primavera, però va preferir donar-li una connotació menys literària. És una de les millors obres de la seva etapa final, la qual va ser encarregada per Constantine Loindes, que a l'anar a veure l'obra de Rossetti al seu estudi quedà impressionat per la bellesa de Jane Morris en un dibuix de pastís i guix que tenia l'artista.

La noia posseeix un rostre intens i molt expressiu, que es pot apreciar en totes les obres dels seus últims any, com ideal de bellesa, sensual i malenconiós Seguint el seu costum, en el marc exposa un sonet que ens parla del somni amb els ulls oberts, en el qual el personatge perd el contacte amb la realitat i s'abandona a la fantasia i a la imaginació. Les dones fatals de Rossetti posseïen uns dits allargats, prims i nervosos, que pinta amb una brutal tècnica. Les seves fonts van poder ser les excepcionals mans que Da Vinci plasma en la Gioconda o potser alguna de les mans femenines de Rafael. La primera intenció de Rossetti era posar entre les mans de la jove campanetes de les neus, però com la creació del llenç es va allargar i s'acostava la primavera les va canviar per lligaboscs.

La jove, té un llibre entreobert sobre les cames, que es refereix a la Vita Nuova de Dante. Tornem a observar la precisió i cura per les flors de Rossetti. Serà tanta la seva precisió que es passarà mesos veient créixer un jardí per a plasmar-lo adequadament en les seves obres.



“Beata Beatrix” 1863.




Fig.18



Ens trobem davant de la que possiblement sigui la millor de les pintures de Rossetti. Les dramàtiques circumstàncies en que tingué lloc la mort de la seva dona Lizzy Siddal, la conducta d’un Rossetti desentès i infidel, li provocaren un fort sentiment de culpabilitat que durant un temps li impedí el senzill reconeixement de la seva mort. El dolor el va colpejar fins el punt que va enterrar molts dels seus poemes i manuscrits, va haver de mudar-se a una altre casa.

En ella, va aconseguir pintar lla “Beata”. Aparentment, és una obra sobre la Beatrice de Dante, però en realitat és una obra sobre Lizzy, com si fos una estela funerària que el nostre pintor dedica a la seva muller.

Potser des d’aquesta perspectiva, com si fos un monument funerari, podrem captar millor la importància d’aquesta obra. L’afany de recordar els morts és un dels impulsos humans més bàsics i fonamentals. En l’art el trobem molt ben desenvolupat en l’escultura funerària (que podeu veure aquí....). Sovint l’expressió del pesar s’ha barrejat amb la religió, i en particular amb la creença sobrenatural en una vida futura.

En aquesta obra Rossetti pinta amb una gran força. Dona vida a allò que sent i lamenta, donant fe de la seva creença en l’art immortal, deplorant allò que hi ha de mortal a la Naturalesa. El fonament per el tema bàsic gaudia de la suficient preparació, deguda la llarga identificació de Rossetti amb Dante i de Lizzy amb Beatrice. La “Beata” es un retrat de Lizzy en el moment de la seva mort. Sembla trobar-se en un estat d’embalidament i, de la mateixa manera que l’Èxtasi de Santa Teresa de Bernini, dona la impressió de ser més sexual que religiós.

Darrera Beatrice-Lizzy hi ha dos figures, una Dante, l’altre l’Amor, mirant-se mútuament. Entre les mans de la dona, un ocell amb una aura maligna subjecta una flor amb el bec. L’ocell és el missatger de la Mort, i la flor, una rosella, símbol de la passió i de la mort, però també de l’opi, la droga que va matar Lizzy. A la dreta veiem un rellotge de sol, símbol del decurs del temps inexorable. L’abundant i densa atmosfera, amb l’espessa capa de pintura, la barreja d’allò real amb el que no ho es, constitueix una íntima unió entre allò sensual i el que és eteri, i una síntesi quasi perfecta de la pintura de Rossetti.




"Astarte Syriaca" 1877




Fig.19


Aquesta obra està considerada com el més vigorós tribut de Rossetti a la senyora Morris. Desenvolupada a partir d'altres retrats anteriors, en articular Mnemosyne, d'aspecte sinistre i d'un color verd marí. Astarte era l'Afrodita semítica-siríaca i l'objectiu de Rossetti era donar-li més qualitats en l'Amor de les que trobava en la Venus greco-llatina. Per aixó la figura és fosca, sombría i misteriosa, per a Rossetti, adorar-la era abandonar el món de la llum.

Rossetti estimava apasionadament a Jane, més que aixó, la necessitava, no podia viure sense ella, tampoc podia pintar sense ella. Al llarg de la història de l'art hi ha hagut molts artistes que han tingut models favorits, però pocs han estat tan absolutament dependents com ell d'una cara i una figura i, poques models van encarnar tan plenament els principis d'un estil. La conjunció entre alló carnal i alló poètic, aquella aparença alhora intensa i llànguida està perfectament recollida en aquesta obra. La melangia amb tocs de droga que planeja per damunt del llenç, amb tot el seu resignat anhel, d'alló perdut o inabastable, mostren ben clarament que en l'adoració i l'expressió de la bellesa era l'únic lloc, on el nostre pintor, trobava resposta possible als monstres que generava la seva enmalaltida raó.
La concepció d'aquesta obra es tan masisa, intensa que fa empalidir moltes de les altres pintures. Certament l'Astarte Syriaca pot considerar-se com la culminació de la seva carrera com artista: llegenda, religió, art i amor és combinen en aquest Himne a alló femení que inspira horror. És una d'aquelles pintures que transmeteixen una genuina sensació d'humil·liació.

William Morris 






Va ser un dels components de la fraternitat que menys pintures va oferir a la seva causa; no obstant això, va destacar com arquitecte i decorador. Les seves idees s'oposaven a la industrialització, i desitjava tornar a un estat i manera de vida similar al medieval, on tot es feia a mà i no existien màquines que fessin els objectes de les llars iguals uns a uns altres, sinó únics i especials, completament artesans. Morris va ser un dels protagonistes de la segona fase del moviment prerafaelita, juntament amb Burne-Jones.

Pertanyent a una família adinerada, va estudiar en el Exeter College de Oxford, on va conèixer a Burne-Jones. Al conèixer anys després, a Rossetti, mentre estudiava en el taller de l'arquitecte George Edmund Street decideix deixar enrere els seus estudis, i s'acosta més a la poesia i a la pintura.

El 1859 Morris es casa amb la desitjada Jane Burden, i es marxen a viure a la famosa Red House, al sud-est de Londres, una casa d'estil neogòtic dissenyada per ell i per Phillip Webb. El mobiliari, la decoració i les pintures van ser dutes en comú amb d’altres artistes prerafaelites, convertint la casa en un paradís per a ells, on no havia ni rastre de la seva temuda industrialització. Nascudes les seves dues primeres filles amb Jane, Morris funda juntament amb altres artistes la Morris, Marshall, Faulkner & Co., una societat que volia aplicar a les arts decoratives els principis i ideals prerafaelites. La societat, anomenada The Firm, després d'exposar el 1862, va ser totalment rebutjada per la crítica, però lloada pel públic, rebent així diversos encàrrecs. Aquest èxit es va unir, anys després, el 1868, a la publicació del seu llibre The Earthly Paradise, que li va produir un enorme èxit de vendes i crítica, arribant a convertir-se per aquell temps en un famosíssim poeta.

Després de llogar amb Rossetti una casa para l'estiu, la Kelmscott Manor, el 1871, Morris es va embarcar en diversos projectes que van marcar la seva vida professional i personal per a sempre: va realitzar un llarg viatge a Islàndia, i va regressar influenciat i replet d'idees sobre «la tornada a la Naturalesa per a alliberar a l'home de l'esclavitud de la industrialització». Les seves idees es van tornar utòpiques i va simpatitzar amb el Socialisme anglès de l'època, adherint-se el 1883 a la Social Democratic Federation, una organització socialista en la qual participava Eleanor, filla de Marx.

Conforme van passar els anys, Morris es va bolcar més i més en la vida política, sense descurar la seva obligació amb l’art, culminant la seva carrera en aquest àmbit amb la fundació de la Arts & Crafts Society, el 1888. Principalment es destaquen de Morris els seus dissenys més que els seus quadres, especialment els de mobles (cadires, llits, etc.) i els seus papers per a paret, com Margarides, Roses, o els seus tapissos.




Fig. 20 Wallpaper de Morris




La seva obra pictòrica més coneguda és “La bella Isotta”, del 1859,





Fig.21

En ella va representar a la seva estimada esposa Jane. Morris diria, lamentant-se davant el que ell considerava el seu pobre estil, especialment si ho comparem amb les representacions que Rossetti feia, Morris digué d'aquest quadre a la seva dona: «No puc pintar-te, però et vull».




Edward Coley Burne-Jones






Es va formar principalment sent nen en la King Edward´s School, en Birmingham, coneguda per la seva severitat, i on va destacar com un alumne avantatjat. En aquests anys va començar a interessar-se per la pintura i el dibuix. El 1852 és convidat per un company de classe i coneix a la seva germana, Georgiana, amb qui es casarà el 1860, i que serà la seva primera biògrafa (i després, també, tia de l'escriptor Rudyard Kipling).

Durant la dècada dels cinquanta i els seixanta forjarà els seus primers i feliços contactes amb artistes com Morris, al que coneixerà en el Exeter College, i amb Rossetti, a qui prendrà apassionadament com a mestre. Gràcies a aquests contactes assolirà els seus primers encàrrecs i els dissenys d'algunes vidrieres, de tema medieval, que li donaran el suport de la crítica.





Fig.22 Vitralls


1877 serà un any fonamental para Burne-Jones, qui participarà en la mostra de la Grosvenor Gallery, en companyia d'altres artistes com Ànima-Tadema, Millais i Whistler.

Les seves pintures van tenir una tal favorable acollida, que es va presentar a la Exposició Universal de París de 1878. La seva popularitat va créixer com l'escuma, creant fins i tot una «moda». Aquesta popularitat i estima no va decréixer amb els anys. Va continuar pintant, fent il·lustracions per a llibres i escenografies teatrals fins a la seva mort, esdevinguda el 1898. Quatre anys abans va ser nomenat Lord i va ser lloat per l'Exposició Universal de 1889.




Figs.23 i 24 Dibuix i Retrat de Maria Zambaco





Els seus únics punts foscs en la seva biografia van ser dues, un quan va haver d'exercir de testimoni en un judici, per una llarga causa judicial entre el seu mestre Ruskin i el seu amic, Whistler, i l'altre quan es va enamorar d'un de les seves models predilectes, Maria Zambaco, la qual cosa el va sumir en una torbadora relació amb ella. Les pintures de Burne-Jones són fàcilment recognoscibles pel seu estil delicat, que pren com exemple a pintors del Quattrocento florentins, com Botticelli: figures allargades, draps detalladament realitzats, rostres somiadors...

Les seves pintures més rellevants són “Astrología”, 1864, “L'encantament de Merlí”, del 1874, “L'escala d'or” 1876 i “Perseo s'arma” 1885.



Fig.25


A diferència d'altres autors prerafaelites que van sucumbir al tema popular de l'època o a la denúncia social, Burne-Jones mai es va separar del tema medieval o clàssic.






"L'Escala Dorada" (1880)




Fig.26






S'ha dit ue Burne-Jones posa a les seves obres tanta gràcia que fins i tot pot arribar a ser cargant. Però la gràcia i amabilitat de les obres de Burne-Jones és deuen al seu afany de ser encissador. Es una questió de pes i de moviment. A l'igual que en les figures de Sandro Botticelli -de qui el nostre autor era admirador-, les de Burne-Jones es desplacent en un moviment que és troba entre el sua lliscar i fer saltets, aconseguint una de les més belles representacions del seré moviment d'una dona. En aquesta obra unes vint imponents docelles baixen per una escala de cargol l'única escala que només té profunditat i no longitud, així l'espai s'enlaire conforme s'allunya
Una de les obres més reconegudes és la monumental obra mestra “The Last Sleep of Arthur in Avalon”, la qual es troba en el Museu d'Art de Ponce, Puerto Rico.





Fig.27



Burne-Jones va dedicar gairebé els últims vint anys de la seva vida a aquesta obra, la qual va quedar inconclusa. Va començar a pintar-la en el 1881 i la va continuar fins a la seva mort en el 1898. Aquest quadre medeix 9 peus d'alt i 21 peus d'ample i representa el moment que el Rei Artús està moribund per les ferides rebudes en la seva última batalla, atès per tres reines i diversos servents en la mítica illa de Avalon. Els crítics creuen que en aquesta obra Burne-Jones representa la seva pròpia mort, així com aspectes simbòlics autobiogràfics de la seva vida.





John Williams Waterhouse







Neix a Roma a l'abril de 1849 (el dia 6 possiblement), ciutat en la qual els seus pares, de nacionalitat anglesa i afeccionats a la pintura, es troben treballant. Durant la seva infantesa se li apoda com "Nino". Després d'aprendre en el taller italià del seu pare, en 1870 ingressa en The Royal Academy Schools de Londres. Tan sols dos anys més tard, en 1872, exhibeix les seves obres en la Societat d'Artistes Britànics i en 1874 en The Royal Academy. A l'edat de 28 anys, viatja per l'estranger durant dos anys, amb especial predilecció per Itàlia, d'aquí que les seves primeres pintures es vegin clarament influenciades pels costums i vida italianes. De fet, quan tan sols supera els vint anys, l'artista ja crea alguns quadres peculiars amb certa reminiscència al món Oriental. No obstant això, la majoria de les creacions pertanyents a aquesta època es veuen influenciades per la història antiga i el gènere clàssic, treballs molt similars al també pintor Alma Tadema.


Fig.28





A pesar d'aquesta similitud, cap destacar que John William Waterhouse va pintar en una escala de varietat molt més àmplia que la d'Ànima Tadema. La pintura de Waterhouse resulta molt més valenta i audaç, la llum en les seves obres provoca ombres enlluernadores i les històries reflectides en els seus quadres són molt més dramàtiques.
Després d'una època inspirada en la temàtica clàssica (Grècia i Roma van ser les predilectes), a partir de 1880, inicia una etapa creativa basada en temes purament literaris. En les seves últimes obres s'evidencia una clara influència de la literatura i mitologia gregues. És important destacar que l'estil pictòric de Waterhouse, distingit, somiador i romàntic, es va mantenir gairebé inalterat durant tota la seva carrera.
Cap a 1891, Waterhouse coneix a una bella model. En el mateix any comença a posar per als seus quadres, obres que anys després seran els més famosos del pintor. Mai s'ha conegut la identitat d'aquesta dona amb certesa, encara que tot apunta cap al nom de Muriel Foster.




Fig.29 Retrat de Muriel Foster.


Des de l'any 1880 exhibeix anualment en The Royal Academy i en The Academy. És triat soci i acadèmic de The Royal Academy en els anys 1885 i 1895 respectivament. Per aquestes dates els seus treballs són molt bé rebuts i arriben a comparar-se amb els de Burne-Jones, gran representant de la segona etapa del fenomen Prerafaelita.
És a partir de 1900 quan aquest es presenta una mica més relaxat i solt i amb colors més clars i brillants (degut segurament a la influència de Impressionisme i el moviment estètic de l'època). S'afirma a més, per part d'alguns estudiosos, que el pintor iniciava i finalitzava les seves obres en el mateix llenç.
A principis del S.XX el seu estil es comença a considerar com passat de moda, encara que segueix sent donat suport per la revista artística "The Studio". Després de Sir Henry Tate, a qui pertanyia la trilogia inspirada en el poema de Tennyson, Waterhouse serà patrocinat pel financer Alexander Henderson, qui des de 1903 fins a 1917 li compra diverses pintures trobant-se entre elles “Lamia", de 1905.






Fig. 30





El 10 de Febrer de 1917 Waterhouse mor en la ciutat de Londres. Molts dels seus treballs, tals com "Hylas and the Nymphs", 1896 i "Ulisses and the sirens", 1891, que van ser comprades per diversos museus britànics provincials i galeries públiques d'Austràlia. El que va quedar del seu taller després de la seva mort va ser subhastat el 23 de Juliol de 1926 en Christie's, Londres. John William Waterhouse és un dels artistes més populars dels quals, a partir de 1880, van reviure els temes literaris popularitzats per la Germanor Prerrafaelita (Preraphaelite Brotherhood). No obstant això, per a molts historiadors, no pot considerar-se com artista Prerrafaelita a causa de la seva tècnica pictòrica. Encara que els temes tractats en els seus llenços guardin similitud amb els dels artistes pertanyents a la Germanor, Waterhouse està més pròxim al Romanticisme Victorià. També és cert que, per a altres estudiosos, el pintor és considerat com un prerrafaelita 'tardà'.

Només cal parar esment a la dedicació de la bellesa femenina, la idea de la "femme fatale" i el caràcter realista de les seves obres. No hi ha dubte que John William Waterhouse ha creat un model de bellesa femenina distintiu i personal.










Figs. 31 i 32 "Flors al vent" i "El Cercle Màgic"




La seva nota necrologica, apareguda en "The Estafis" el 12 de Febrer de 1917, l’ha descrit com un artista influenciat per Burne-Jones però menys insistent en el disseny i més en l'atmosfera.
Un de les obres que millor exemplifiquen aquesta tendència és "The Lady of Shalott" de 1888, la primera de les tres pintures basades en el poema d'Alfred Tennyson ("The Lady of Shalott") i de les més populars del pintor.







"Ulisses i les Sirenes"




Fig 33





Les sirenes a diferència del costum popular, dintre de la tradició grega eren genis marins, meitat dones i meitat aus. La seva ascendència no està clara. Segons les versions més comunes del mite, són filles de Melpómene (musa de la tragèdia) i de Aqueloo (déu del riu homònim i primogènit dels déus-rius). Però altres versions les fan filles de Aqueloo i Estérope, o Terpsícore (musa de la poesia i la dansa) o també del déu Forcis. Segons la versió de Libanio, van néixer de la sang de Aqueloo, que va ser vessada per Hèracles (Hèrcules). El primer esment que es coneix de les Sirenes és en L'Odissea, quan Odiseu s'enfronta al seu cant en el mar. Aquí apareixen només dos, però altres tradicions parlen de tres: Pisínoe (Parténope), Agláope (Leucosia), i Telxiepia (Ligia) o fins i tot de quatre: Teles, Redne, Molpe, i Telxíope. De les sirenes se sap que la seva especialitat era la música. Es creu que una tocava la lira, una altra cantava i l'altra tocava la flauta. Per al poeta i mitògraf Ovidio, les sirenes no sempre van tenir aquesta forma, sinó que al principi eren dones molt belles companyes de Perséfone (deessa del món subterrani i companya de Hades), abans que fora raptada per Hades. Quan va succeir el segrest, elles li van demanar als déus que els donessin ales per a poder anar a la recerca de la seva amiga. Altra versió diu que la seva transformació va ser un càstig de Dèmeter per no defensar a la seva filla de Hades i impedir el segrest. També es diu que Afrodita els va llevar la seva bellesa, per que menyspreaven les arts de l'amor. Hi ha una llegenda que conta que després de la metamorfosi, rivalitzaren amb les muses, i aquestes molt ofeses, les van plomar i es van coronar amb les seves despulles. D'acord amb el mite més difós, vivien en una illa del Mediterrani que tradicionalment és situava enfront de la costa italiana meridional, més específicament enfront de la Illa de Sorrento i amb la música que tocaven atreien als marins, que atordits pel so, perdien el control del vaixell que s'estavellava contra els esculls. Llavors les Sirenes devoraven als imprudents navegants.
Diversos herois van passar per la seva illa incòlumes, gràcies a ardides o a l'ajuda d'algun déu. En el cas dels Argonautes, es conta que van passar molt prop de la illa de les sirenes, però que Orfeo, que tenia fama de cantar meravellosament (heroi grec) va fer ús del seu talent amb tanta harmonia i tan melodiosament, que no les van escoltar pel que es van salvar de la seva terrible destinació. Butes (un dels argonautes) no va poder suportar la temptació i es va llançar al mar, però Afrodita el va rescatar.
D'igual manera, Odiseu (Ulisses), fecund en ardits, quan s'anaven acostant a la illa temuda, per consell de Circe, va ordenar als seus homes que es tapessin les oïdes amb cera, i ell que no podia amb la curiositat d'escoltar-les, es va fer amarrar al masteler, amb ordre que passés el que passés, no ho deslliguessin. A l'escoltar els cants de les sirenes va voler soltar-se però els seus companys no l'hi van permetre. Conta la llegenda, que les sirenes devastades pel seu fracàs, es van llançar al mar i van morir ofegades. Posteriorment, les sirenes van passar a ser considerades divinitats del més enllà, i se suposava que cantaven per als benaventurats en les Illes Afortunades. Va ser així com van passar a representar les harmonies celestials i és així com les dibuixen en els taüts i sarcòfags.


"Circe"



Fig.34




Circe és molt coneguda per la participació que té en el desenvolupament de la famosa èpica d'Homer, la Odiesea, però també té un paper en les llegendes dels Argonautas. El seu pare és Helios (el sol), i la seva mare és Perseis, en algunes tradicions, encara que en unes altres la seva mare és Hécate. És germana de Eetes -rei de Cólquide i guardían del Vellocino d'Or- i per tant és tia de Medea. També és germana de Pasífae, esposa de Minos. El seu habitatge està en la illa de Ea, la qual aparentment correspon avui a la península cridada munti Circeo. Circe és considerada una maga molt poderosa. Odiseu (Ulisses, en la tradició llatina) arriba a aquesta illa de Circe, després d'estar en el país dels lestrigones. La meitat dels seus homes són enviats a fer un reconeixement de la illa, al comandament de Euríloco. Tots s'endinsen en la illa, i arriben a una vall, on hi ha un palau brillant. Tots entren, excepte Euríloco qui prefereix quedar-se muntant guàrdia. Circe -que és l'ama del palau- rep calorosa i hospitalàriament als grecs, i els convida a un banquet. Euríloco és testimoni que una vegada que els seus amics han provat els menjars, Circe els toca amb una vareta i els converteix en animals diversos, com lleons, porcs i gossos, depenent de la naturalesa veritable de cadascun. Una vegada fet això, Circe tanca a tots en uns estables plens d'animals similars. AL veure això, Euríloco escapa i va a contar-li a Odiseu tot el que ha vist. Odiseu decideix anar a rescatar als seus homes, i mentre pensava en un pla, se li apareix Hermes (missatger dels déus) i li dóna el secret per a vèncer les arts màgiques de Circe: ha d'agregar una planta cridada moly que el lliura Hermes, a qualsevol beuratge que ella li doni i així estarà fora de perill. Així, Odiseu es presenta davant Circe que fa el mateix que havia fet amb els seus companys i li ofereix de beure. Odiseu accepta, però abans agrega la planta molly al beurage, pel que quan Circe intenta convertir-lo en animal amb la seva vareta, no succeeix res. Odiseu treu la seva espasa i li fa jurar a Circe que no li farà mal i que alliberarà als seus homes. Fet això, Odiseu es queda amb Circe un any de plaers (encara que per a uns altres és un mes), però mai oblida a Penèlope.
Circe té amb Odiseu a Telégono i a Casífone. Segons algunes versions també va tenir a Llatí. A més, Circe és mare de Fauno qui va néixer de la seva unió amb Zeus. En la llegenda i els Argonautes, Circe fa la seva presència en el viatge de retorn quan Jàson ve amb Medea -qui li ha ajudat a obtenir el “Vellocino d'or” i està totalment enamorada d'ell-.
L’Argos arriba a la illa de Ee , on la maga Circe els rep i purifica a Jàson i a Medea per la mort de Apsirto, però no li dóna hospitalitat a Jàson, i es limita a conversar llargament amb la seva neboda. També, Circe va transformar a Escila en el monstre que era una dona en la seva part superior, però que de la seva part inferior sorgirien uns horribles gossos que devoraven tot el que passava prop, doncs segons unes versions es va enamorar del déu marí Glauco que va preferir l'amor de Escila. Segons altra versió, Posidó s'havia enamorat de Escila i Anfititre, gelosa, li havia demanat a Circe que fes la transformació.



"Ophelia" - 1894



Fig.35



Ofelia, personatge de "Hamlet" de Shakespeare, és la filla de Polonio, germana de Laertes i l'abandonada amant de Hamlet. Sent la promesa de Hamlet, Ofelia es torna boja quan aquest, per confusió, mata al seu pare Polonio, que escoltava amagat darrere d'una cortina. En el seu desvari, Ofelia vagabundeja al costat d'un llac, recollint flors, i mor ofegada. Per aquest motiu la seva figura venja a simbolitzar la innocència feta bogeria. El nom "Ofelia" sembla estar inspirat en el grec "he ofeleía" (‘el socors’, ‘l'ajuda’). Ignorem si Shakespeare va ser el primer en usar-lo o si es va basar en algun altre precedent literari, com la novel·la pastoral titulada Arcadia, publicada en 1504 per l'italià Jacopo

"Hylas and the nymphs" - 1896

Fig.36



Durant l'època homèrica, es creu que eren filles de Zeus. Són considerades divinitats secundàries a les quals se'ls poden fer pregàries, però que també poden resultar temibles. Elles són donzelles que habiten al camp, el bosc i les aigües. Normalment les hi troba en grutes on s'entretenen cantant i ballant. És comú que siguin el seguici d'algun déu o deessa més important, com Artemisa en particular, o d'altra nimfa de més alt nivell, com Calipso o Circe. Hi ha diferents categories de nimfes d'acord amb el lloc on viuen. Així estan les Nimfes dels Freixes, o Melíades, que semblen ser les més antigues. Són filles d'Urà. Les Nàiades que viuen en les fonts i els corrents d'aigua. Per la seva banda, les Nereides són nimfes del mar en calma. També existeixen les Oréades, que viuen en les muntanyes i en els boscatges habiten les Alseides. Totes les nimfes van tenir molta importància en diverses llegendes. És comuna trobar-les com esposes d'algun heroi o semidéus, per exemple la Egina casada amb Éaco, o la nimfa de Taigete. A més, és freqüent veure-les intervenir en els mites amorosos com en les llegendes de Calisto o Dafne, on els seus amants més freqüents eren els esperits masculins de la naturalesa com Pan, els Sàtirs, o Priapeu per a esmentar alguns. Però els grans déus no eren l'excepció, i vàries d'elles es van unir en diverses ocasions amb Zeus (déu dels déus), Apol·lo (déu del sol i l'art), Hermes (missatger dels déus), i Dionis (déu del deliri místic i el vi), entre uns altres.
D'igual forma, era normal que s'enamoressin d'un adolescent mortal i el raptessin per a compartir el seu llit amb ell. En el seu conjunt, aquest és sens dubte un dels quadres més bells del pintor. Com curiositat dir que aquesta és una de les obres en les quals apareixen diverses muses del pintor alhora. Resulta sorprenent l'efecte del surar dels cabells de les nimfes sobre les aigües...

"The crystal ball" - 1902

Fig.37


AL meu parer, aquest és un dels quadres de l'autor que més misticisme desprèn. Com curiositat, afegir que una vegada realitzada l'obra, cert comprador li va demanar a Waterhouse que retirés el crani del lateral esquerre. I així ho va fer el pintor. De fet, existeix una imatge de l'obra presa anys més tard en la qual pot veure's com el crani ha estat 'eliminat' i del que encara es pot albirar la seva silueta després de la cortina negra. Potser la calavera va resultar ser una mica 'mòrbida' per als gustos de l'època...

"Eco and Narcissus" - 1903




Fig.38



Eco és una de les nimfes del bosc, i és la qual dóna origen al so que coneixem com eco. Eco és protagonista de diverses llegendes. Per exemple, existeix una en la qual apareix com l'estimada de Pa (déu de pastors i ramats), però ella no correspon a aquest amor sinó que sofreix pel menyspreu d'un faune al que estima de debò. Pa, mogut per la gelosia decideix venjar-se, i fa que ella s'estripi per uns pastors. El seu plor es relaciona amb l'eco. La deessa Hera havia castigat a Eco, i li impedia parlar. La nimfa solament podia repetir l'última paraula que pronunciés la seva interlocutor. Això es va deure al fet que Eco cobria a Zeus els seus infidelitats cap a Hera, i l'entretenia amb eloqüents converses, mentre el déu de déus es divertia amb els seus amants. En la versió més coneguda del mite d'Eco, ella s'enamora perdudament de Narcís de qui l’endeví Tiresias va predir, en el seu naixement, que tindria un llarga vida si no es contemplava a si mateix.
Aquest jove era molt bell però menyspreava l'amor de tots. La pobra nimfa no va ser l'excepció i Narcís va menysprear el seu cor quan la va veure en el bosc i ella no va ser capaç de respondre-li més que les seves pròpies paraules. Llavors, ella desolada, ofesa es va tancar en un lloc solitari i allí va deixar de menjar i de cuidar-se. Així es va anar consumint a poc a poc, i el dolor la va anar absorbint fins que va desaparèixer i es va desintegrar en l'aire, quedant només la seva veu que repetia les últimes paraules de qualsevol.
Aquesta veu és el que cridem eco. A causa de això els déus es van molestar i totes les altres dones rebutjades van orar als déus per venjança. Némesis (la venjança) les va escoltar i va fer que Narcís contemplés la seva pròpia imatge. Quan el jove ho va fer, es va enamorar de la seva pròpia bellesa i ja no li va importar res més que la seva imatge. Es va quedar contemplant-se en l'estany i es va deixar morir, totalment indiferent a la resta del món.
Diuen que encara en el Estigi (el mar de la terra dels morts), Narcís continua admirant-se. En el lloc que Narcís va morir, va néixer la flor homònima.


"Miranda-The tempest" - 1916

Fig.39




Observar-la observant és senzillament aclaparador... Una llunyania és bella quan és inassolible.



"Lady of Shalott" - 1888


Fig.40



És la primera de les tres obres basades en el poema de Tennyson (Antologia clàssica victoriana). Es va exhibir per primera vegada en 1894, resultant potser la seva obra més famosa. Actualment es troba en la Tate Gallery de Londres. Les dues restants obres, de cronologia més tardana encara que narrativament anteriors, són “Lady of Shalott. Looking for Lancelot", 1894 i "I am half sick of shadows, said Lady of Shalott", 1915.



D'aquesta trilogia relacionada amb el tema artúric de l’enamorament entre Lancelot i Elena, aquesta obra en concret ens mostra a Elena una vegada realitzat el jurament de matar-se, amb motiu del desengany sofert a causa del amor que Lancelot acaba professant per Ginebra. En l'escena veiem reflectit el moment que Elena apareix sobre una barca fluint en direcció a Camelot. És poc abans del tràgic epíleg. Elena ja no és una poderosa bruixa, sinó una noia indefensa, i l'elegant vestit ha estat substituït per una simple túnica blanca. Al seu costat es troben unes cartes en les quals explica el motiu de la seva mort als cavallers de la Taula Rodona, el gran amor que sent per Lancelot.
Tan sols hem de veure la seva mirada absent i els seus braços abandonats en senyal de rendició a la destinació. El paisatge anglès de fons es redueix a traços de color apagat i els joncs que apareixen en primer plànol se'ns mostren mitjançant simples pinzellades. La riquesa de color i els magnífics detalls només s'utilitzen per a emfatitzar la figura central. Veiem aquí com Waterhouse es concentra en l'atmosfera i la decoració que tan bé exemplifica "Lady of Shalott".
Parlen d'ell com un artista influenciat per Burne-Jones encara que amb menys insistència en el disseny i més en l'atmosfera. I al llarg del riu va esvaint-se com el titil·lar d'unes veles i el revolar d'unes cartes...
La mirada absent i els braços abandonats indiquen la seva rendició al destí mentre és emparada per una naturalesa minuciosament pinzellada.



SIR LAWRENCE ALMA-TADEMA

Tot i no tractar-se específicament d'un autor propiament prerrafaelista, doncs no va formar mai part de la PRB,  incloc en aquesta entrada, la referència on podreu trobar una anàlisi detallada de la seva obra: aquí:

http://terradesomnis.blogspot.com/2012/01/sir-lawrence-alma-tadema-arqueologia-y.html


Així acomiadem als pintors de la Fraternitat Prerafaelita, recordant que seu moment estel·lar no se situa en un punt en que un artista, solitari en el seu estudi, assaja una nova obra, ni tan sols quan el seu nom és troba inscrit en els quadres d’alguna sala d’un gran museu, no el prerafaelisme, fill de la revolució industrial, té la seva màxima esplendor en els capvespres de Bloomsbury, a l’Escola Obrera on, després de la jornada laboral, els artesans a qui agradava l’art, podien xerrar i compartir experiències amb aquells que feien l’art: els prerafaelites.