diumenge, 15 de febrer de 2009

GEORGES DE LA TOUR I EL TENEBRISME MÍSTIC.

En el Barroc la pintura adquireix una importància prioritària dins del conjunt de les diverses manifestacions artístiques, i en això no podem deixar de veure la supervivència d’algunes característiques clarament renaixentistes.
Com a expressió d’una societat i d’un determinat temps, el Barroc reflecteix la dualitat entre una Europa del Sud, esclafada pel pes de la religió catòlica, de les monarquies absolutes, i una Europa del Nord, burgesa, rica, comerciant, etc.
Però malgrat tot, els trets comuns del Barroc són clarament identificables en ambdós casos.
Els temes de la pintura no variaran gaire respecte al Renaixement, predomini de l’art religiós, amb un clar enriquiment de l’ iconografia, però sobretot, consolidació de nous gèneres, com ara Bodegons i Natures vives o mortes, paisatges, i quadres de costums - de gènere -, i molt especialment el retrat, individual o col·lectiu.
Si els grans pintors del Renaixement ja havien aconseguit posar un mirall davant la realitat, i captar amb absoluta perfecció la forma, el volumen, la profunditat, la llum i el color, poc era el que es podia continuar fent, sinó complicar-ho tot una mica més, la perfecció de la escultura clàssica grega serà substituïda per l’expressivitat de l’hel•lenística, Laocoont i els seus fills desenterrada després de llargs segles, assenyala l’instant de la concepció del Barroc en el cor del més gran dels escultors renaixentistes, Micchelangelo.
Es continuarà reproduint a la perfecció la natura, la realitat, però és produeix una evolució característica cap el dramatisme i la teatralitat.


Fixeu-vos en la disposició clarament teatral amb les balconades a cada costat del "Éxtasis de Santa Teresa" de Bernini.
La polèmica no és ja com copsar millor la realitat, sinó la primacia del moviment, la llum i el color, les tertúlies artístiques que sovint enfronten a florentins i venecians, discuteixen agrament sobre l’ importància de la línia, del dibuix, d’altres opinen que són els colors, i tots tracten de reflectir, captar, utilitzar la llum, la gran diferenciadora, creadora.
La pintura barroca aconsegueix una configuració dinàmica de l’espai, oferint una visió de les escenes en profunditat; predominen les composicions en diagonal, així com la distribució -d’acord amb l’herència de Tizià- en taques de la llum i del color, contribueixen a crear en el conjunt un espai dinàmic en el que els contorns es dilueixen, de forma que les figures individuals perden importància al servei de l’ unitat de l’escena.
Malgrat la varietat d’escoles nacionals -Italiana, francesa, espanyola, holandesa, o de Flandes, totes elles comparteixen un interès comú: l’estudi de la llum.
En aquest sentit, una bona part dels artistes del Barroc, es lliurarà a experimentar amb els jocs de llum, d’on sortirà per exemple: el clarobscur (de vegades en italià, chiaroscuro), una Técnica artística (en pintura, dibuix i gravat) consistent en l'ús de contrastos forts entre els volums il•luminats i els aombrats del quadre per a destacar més efectivament alguns elements. Desenvolupada inicialment pels pintors flamencs i italians del quatrocento i cinquecento, la tècnica arribaria a la seva maduresa en el barroc, especialment amb Caravaggio, donant lloc a l'estil anomenat tenebrisme.
Podem veure alguns exemples de clarobscur en el Quatrocento i en Cinquecento:


Retrat d'un Jove de Sandro Botticelli.

"La dama del amiño" de Leonardo da Vincy.

Retrat d'una dama de Rafael Sanzio.
El terme italià chiaroscuro, encara que significa aparentment el mateix, és emprat més específicament per a una tècnica de gravat en xilografia, que per mitjà de planxes complementàries dóna colors a les imatges, com si fossin pintades a la aquarel•la. El primer ús conegut del terme, amb aquest significat, s’atribueix al gravador italià Ugo da Carpi, qui hauria pres la idea de composicions d'origen alemany o flamenc.


En els gravats de Carpi, l'efecte del clarobscur destaca una figura central il•luminada per una font de llum normalment absent del plànol del quadre; no obstant això, les àrees fosques no estan tan accentuades com arribarien a veure's en l'obra dels principals difusors del chiaroscuro, Caravaggio i Giovanni Baglione.

La tècnica s'imposaria també entre els manieristes, sent exemples d'aquest ús la “Última Cena” de Tintoretto, que presagia les composicions de Rembrandt.



El pintor holandès ha estat un dels més conspicus practicants del clarobscur, utilitzant la llum en la seva composició per a destacar només el seu objecte específic.



Rembrant "Autorretrat"



L'estil anomenat "tenebrisme" no és més que una aplicació radical del clarobscur, per la qual únicament les figures temàticament centrals destaquen il•luminades d'un fons generalment fosc. S'ignora si per influència de Caravaggio o per un desenvolupament paral•lel, l'estil cobraria molta rellevància en la pintura espanyola de finals de segle XVI l'i començaments del XVII, a partir de l'obra del català Francisco Ribalta.



Ribalta empraria el color i la llum per a donar volum a les figures, i per a destacar els protagonistes en els seus frescos religiosos, alguns de gran bellesa; talentós mestre, el seu estil influiria en el del seu fill Juan Ribalta, mort primerencament, i Vicente Castelló. Indirectament pesaria també en Zurbarán i en el més destacat dels tenebristes espanyols, José de Ribera; aquest últim duria a la seva maduresa l'estil, emprant els volums aombrats per a reforçar l'horror i crueltat dels temes.




Juan Ribalta.


El caravaggisme és un corrent pictòric dintre del barroc, que designa l'estil dels artistes que es van inspirar en l'obra de Caravaggio. Aquests pintors també són coneguts com tenebristes, pel seu ús de la tècnica del clarobscur. En altres ocasions, es fa referència al seu naturalisme o realisme. Els pintors caravaggistes reprodueixen la figura amb gran realisme, representant-la generalment contra un fons monocrom, i il•luminats per una llum violenta.
Es va originar en Roma a principis del segle XVII, desenvolupant-se, aproximadament, entre 1590 i 1650. Els principals pintors caravagistes van ser Bartolomeo Manfredi, Orazio i Artemisia Gentileschi, Gerrit van Honthorst, Hendrick ter Brugghen, Giovanni Serodine, Battistello Caracciolo i José de Ribera.
El caravaggisme sorgeix com reacció al manierisme, estil que es considerava artificial, massa exquisit i intel•lectual. Caravaggio proposa prendre com model la realitat, les persones que trobava en el carrer.


Caravaggio: "La vocació de Sant Mateu" Capella Contarelli.

La instal•lació de les pintures de Caravaggio sobre sant Mateo en la Capella Contarelli va tenir un impacte immediat entre els joves artistes que, provinents d'altres parts d'Itàlia, es trobaven treballant en Roma, i el caravaggisme es va convertir immediatament en la tendència a seguir per tots els pintors joves.
Els caravagistes van pintar quadres apaïsats de gran grandària, a l'oli, sobre llenç. Van tractar preferentment temes religiosos, en particular els més violents i dramàtics, com la història de Judith i Holofernes, o els martiris de sants. No obstant això, van adoptar una iconografia realista, prenent del natural els models dels seus sants i verges. S'afegien pocs elements en la composició, a part del personatge central, però aquests elements (com atuells o cistells) eren d'un gran realisme.



Artemisia Gentileschi.

Aquesta tendència va calar entre el públic, que d'aquesta manera es veia millor representada en les obres, el que incitava a la pietat; per això es va convertir en el primer estil pictòric de la Contrareforma. El risc, no obstant això, estava a caure en la vulgaritat excessiva, fent que es perdés en part el respecte a aquestes imatges santes, el que va fer que, per exemple, algunes de les obres de Caravaggio fossin rebutjades pels seus clients.
A més d'això, van ser freqüents els quadres de gènere, representant escenes de la vida quotidiana, com les tavernes, o les partides de cartes. Aquesta tendència va derivar cap a unes obres en les quals prevalia el pintoresc, anomenades “bambochadas”, sent coneguts els pintors que les feien amb el terme de “bambochantes”, paraula derivada del italià Bamboccio ("monigotes"), sobrenom del holandès Pieter van Laer.




Pietr van Lier


Aquests pintors representaven escenes protagonitzades per personatges populars com gitanos o captaires. Encara que usaven la tècnica tenebrista, la veritat és que hi ha una certa preocupació pel paisatge, absent en la major part de les obres d'aquesta tendència.
Amb menor freqüència, es van conrear temes mitològics i bodegons. Les composicions són senzilles: les figures, representades de grandària natural, de mig cos o cos sencer, sobre un fons fosc. El tret més característic d'aquesta escola és l'ús del clarobscur: no treballaven el fons, que quedava en penombra, i concentraven tota la seva atenció, amb una llum molt intensa, en les figures que ocupen el primer pla. Aquest contrast dramàtic va ser conreat sobretot per napolitans i espanyols, als quals amb major freqüència es denomina tenebristes.
En els quadres italians i espanyols, la llum és d'origen indeterminat; en canvi, en pintors com Georges de La Tour o l’escola de Utrecht, prové d'una font concreta que apareix en el quadre. Aquesta introducció en el quadre d'una font d'il•luminació visible s’anomena luminisme.




Brugghen





Gerrit Van Honrshoot, tots dos de l'escola d'Utrech.



Els colors predominants són els vermells, ocres i negres. S'aplicava directament, sense esbós preparatori ni dibuix previ, el que en italià es diu “alla prima”.
Els primers caravagistes van ser Giovanni Baglione (encara que la seva fase caravagista va durar poc) i el toscà Orazio Gentileschi. En la següent generació van estar el venecià Carlo Saraceni, el mantuà Bartolomeo Manfredi i el romà Orazio Borgianni. Gentileschi, a pesar de ser considerablement més vell, va anar l'únic d'aquests artistes que va viure més enllà de 1620, i va acabar com pintor cortesà del rei Carlos I en Anglaterra. La seva filla, Artemisia Gentileschi estava també molt propera a Caravaggio, i va anar la més dotada d'entre els pintors que es van adscriure a aquest moviment, que va conrear en el seu vessant més violent. En aquella època, no obstant això, tant a Roma com a Itàlia en general, no va ser Caravaggio, sinó Annibale Carracci i la seva barreja d'elements de l’Alt Renaixement i el realisme llombard, qui al final va acabar triomfant en el ple barroc.
El venecià Domenico Fetti s’emmarca en aquest corrent, si bé el seu realisme és més aviat pintoresc i sensual, amb colors lluminosos.
També els artistes estrangers que van viure i van treballar a Roma durant aquells anys van conrear l'estil. Directament relacionat amb aquest moviment naturalista està el destacat pintor alemany Adam Elsheimer, si bé a diferència dels altres caravaggistes, Elsheimer es va dedicar al paisatge i als efectes atmosfèrics en ell.


A Roma també es van formar els francesos Valentí de Boulogne i Simó Vouet de la seva primera època. Finalment, els holandeses Gerard van Honthorst i Hendrick ter Brugghen.
La breu estada de Caravaggio en Nàpols va produir una notable escola de caravagistes napolitans, incloent entre ells a Battistello Caracciolo Carlo Sellittoi . Nàpols en aquella època rivalitzava amb Roma quant a focus d'atracció d'artistes, entorn de la cort dels virreis espanyols. Allí va passar l'etapa final de la seva vida Artemisia Gentileschi. Altres caravagistes napolitans van ser Andrea Vaccaro, Bernardo Cavallino i Massimo Stanzione. Es considera que el moviment caravaggista va acabar allí amb la terrible plaga de l'any 1656. No obstant això, la tendència es va mantenir en pintors posteriors com Mattia Preti, Salvator Rosa o Luca Giordano. A la manera particular que es va entendre el caravaggisme a Nàpols se l'anomena tenebrisme, i va influir particularment en España.
Les estretes relacions en l'època entre España Itàlia i van motivar que Espanya anés el primer país que va seguir aquest corrent pictòric després d'aquell on es va iniciar. Entorn de l'any 1600 va treballar en Península Ibérica Orazio Borgiannila
A Nàpols, territori llavors espanyol, va treballar José de Ribera com pintor dels virreis. Està considerat el pintor tenebrista per excel•lència, arribant en ocasions a una gran duresa.
Autors que van ser ja tenebristes en les seves composicions van ser Bartolomé González, Juan van der Hamen, Juan Bautista Maíno i Luis Tristán. El murcià Pedro Orrente va incorporar la il•luminació i les formes caravagistes, com pot veure's en la seva Sant Sebastià de la catedral de Valencia


El caravaggisme va ser l'estil dominant en la pintura espanyola fins a aproximadament 1635, havent d'esmentar-se l'obra de Francisco Ribalta, el seu fill Juan i Juan Sánchez Cotán, amb els seus bodegons d'il•luminació molt contrastada. És possible que Ribalta pare conegués l'obra de Caravaggio dons va fer un viatge a Itàlia entorn del 1616; la veritat és que les obres de la seva última etapa són plenament tenebristes, amb marcats contrastos de llum i ombra i utilització de models del natural, gens idealitzats. El seu fill Juan va treballar en la mateixa línia.
Jerónimo Jacinto de Espinosa va seguir conreant el naturalisme tenebrista quan ja a Espanya triomfava el barroc.
Pot veure's la influència de l'estil en les obres de Velázquez, Murillo o Zurbarán d'aquella època. Velázquez presumiblement va veure l'obra d'en Caravaggio els seus varis viatges a Itàlia.

Velázquez



Murillo


Zurbarán.

Un grup d'artistes catòlics de Utrecht los "caravagistes de Utrecht", van viatjar a Roma com estudiants en els primers anys del segle XVII i van quedar profundament influïts per l'obra de Caravaggio, tal com ho descriu Bellori. Són precisament aquests pintors del nord qui van acollir amb major interès algunes novetats d'aquesta tendència, com el realisme i la representació d'escenes rondaires o de taverna, tendència que van conrear en particular els anomenats bambochantes.
Al seu retorn a les terres del Nord, van difondre aquesta tendència en quadres de gran format, experimentant una florida breu en el temps però de gran influència durant els anys 1620 amb pintors com Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst (anomenat Gerardo de la Nit ), Dirck van Baburen i Andries Both. Els tres primers són considerats els creadors de l'escola de Utrecht. A diferència dels caravagistes italians, en els quals la llum tenia un origen incert, els pintors de l'escola de Utrecht presentaven un focus de llum artificial perfectament identificat i concretat en la pintura, generalment una espelma.






Algunes de les pintures de l'anomenada escola caravagista d'Utrech presentaran grans similituds amb l'obra del nostre autor.
Aquests pintors van ser posteriorment imitats, amb la realització de quadres a escala més petita, originant la pintura de gènere domèstic, típicament holandesa. En la següent generació els efectes de Caravaggio, encara que atenuats, es deixen sentir en l'obra de Rubens (qui va comprar una de les seves pintures per als Gonzaga de Màntua, va pintar una còpia del soterrament de Crist i té obres de joventut d'estil caravagista), Vermeer i Rembrandt.


En Roma van treballar els francesos Valentin de Boulogne i Simon Vouet. Com ells, molts altres artistes acudien a la ciutat eterna a estudiar, coneixent així de primera mà el naturalisme que allí es practicava. AL seu retorn a Franca, aquests artistes van tenir èxit, sobretot en províncies i entre la clientela eclesiàstica i burgesa. El més famós dels caravagistes francesos va ser Georges de La Tour, que va treballar en Ducat de Lorena el , en aquells dies independent de França; va ser introductor de l'estil Jean Le Clerc.


La nòmina dels tenebristes francesos s'incrementa amb els noms de Lubin Baugin, el flamenc Lodewijk Finson o Finsonius (en Aix-en-Provence), Guy François (en Puy), Jacques Linard, Louise Moillon, Sébastien Stoskopff, Richard Tassel (en Borgoña), Nicolas Tournier (en Toulouse) Carlo Saraceni i Claude Vignon.


Amb aquesta tendència pictòrica van tenir relació els germans Le Nain (Antonio, Luis i Mateo), seguint la línia més aviat dels anomenats “bambochantes”.




George La Tour "El solista"


Un dels més famosos pintors francesos del barroc serà Georges de La Tour , habitualment la seva pintura ha estat considerada mística, dons en la seva producció predomina l’obra de temàtica religiosa, en la seva majoria escenes nocturnes o fortament clarobscuristes
La Tour, Georges de (Vic-sud-Seille, Lorena, 1593-Lunéville, Lorena, 1652). Pintor francès. Famós en el seu temps i després completament oblidat, no va ser redescobert fins al segle XX, en particular per Hermann Voss (1915). A partir de l'exposició Pintors de la realitat (1934), La Tour va recobrar un lloc eminent en la pintura francesa, confirmat per la sonada adquisició, en 1960, de la Echadora de la buenaventura pel Metropolitan Museum of Art de Nova York, i per les dues exposicions monogràfiques consagrades a l'artista, en 1972 i en 1997, ambdues a París. Fill d'un forner, La Tour neix en un burg de Lorena.
Res o molt poc es coneix sobre la seva joventut i de la seva formació. La nostra primera informació específica és basa en un certificat de baptisme expedit el 14 de març de 1593 a Vic-sud-Seuille, Lorena (França NE), que ens informa del comerç del pare: forner., encara que probablement va viure una temporada a Itàlia, situació que no està suficientment documentada, Molt probablement, l'educació primerenca és va celebrar a Vic i aleshores, deuria anar certament, a la capital del ducat, Nancy.
Encara que no existeix cap prova, hi ha una bona probabilitat que el jove pintor viatgés a Itàlia, un viatge que estava de moda en aquells moments entre els seus joves companys de Lorena. No és estrany que grups sencers dels seus conciutadans de Lorena anessin a Itàlia, i d’altres artistes, com Jacques Callot, és molt probable que l'haguessin portat cap allà.


Guido Reni "Sant Sebastià"
Una carta l' esmenta com un estudiant de la Guia, que va ser el taller de Guido Reni. Això ha servit de referència per alguns historiadors de l'art per a suposar que potser La Tour va anar a Itàlia i que, un cop allà, potser va passar algun temps al taller de Guido Reni i que - potser de nou - va descobrir autèntics Caravaggios durant la seva breu estada a Roma. Altres historiadors de l'art, però, neguen totalment aquesta estada i sostenen que mai va sortir de Lorena.


Caravaggio "El Jove del llaud"


En qualsevol cas, el 1616 La Tour és ja un pintor format. La següent de les informacions de que disposem és la data del seu casament, el 2 de juliol 1617. Molt poc després, ell i la seva nova esposa, Diana Le Nerf, deixen Vic per anar a viure a la ciutat d'origen de la seva dona, Lunéville. Allà va començar a fer-se una reputació per si mateix i fins i tot va obtenir les seves primeres comissions – encàrrecs -.
És anomenat burgès de la ciutat en 1620, i duu la vida pròpia d'un petit gentilhome. La fama, de la qual gaudeix ben aviat (compres del duc de Lorena en 1623-1624), es confirma durant l'ocupació del ducat pels francesos. Fa un viatge a París en 1639 i obté el títol de pintor ordinari del rei, tot i que no hem trobat documentació que ho verifiqui. Pinta cada any un quadre pel governador de la Lorena, el mariscal de La Ferté. Altres col•leccionistes cèlebres, com Richelieu, el superintendent de finances Claude de Bullion, l'arquitecte Le Nôtre i fins i tot Luis XIII, posseeixen obres seves.
És va convertir en un home de gran riquesa i, fidel als seus orígens, sabia com i on invertir els seus estalvis, en general va ser d'una natura extraordinàriament garrepa. Curiosament, els testimonis dels seus contemporanis el retraten com una persona bàsicament desagradable, altiva, forta, segur de si mateix, autosuficient insuportable, i violent més enllà de tota mesura.
Va morir com un home ric, el gener de 1652, uns dies després que la seva dona, víctima d'una “parapleurisy” – epidèmia?- que sembla haver mort vuit persones només en la seva pròpia llar, per no parlar de més de 8.000 a la ciutat de Lunéville en el seu conjunt..
De les setanta-cinc composicions conegudes entre quadres, gravats, o pels dibuixos i probes en que es va inspirar, uns quaranta originals seus han arribat fins a nosaltres. Es tracta únicament d'escenes religioses i de gènere, i en ambdós casos els temes, fidelment influïts pel repertori de Caravaggio, són limitats i solen repetir-se.
En La Tour, el quadre queda restringit a les seves dades essencials, l'anècdota és exclosa, així com l'arquitectura o el paisatge, i fins els accessoris es redueixen a allò estrictament necessari: els sants solen mancar d'aurèola i els àngels no tenen ales.
Solament dos dels seus quadres duen data (Les llàgrimes de sant Pere, 1645, Cleespelmand Museum of Art,



i La negació de sant Pere, 1650, Musée des Beaux-Arts de Nantes), per la qual cosa la cronologia de la seva obra segueix sent molt discutida.


La evident influència de Caravaggio li donà el gust pel realisme, pels forts contrastos de llum i ombra -fins arribar al tenebrisme més exagerat, i el naturalisme per tal d’arribar a donar un missatge transcendent. Els efectes de clarobscur els aconsegueix amb una il•luminació amb espelmes o candeles. La frontera entre allò profà i allò sagrat es fa difícil de precisar, allò més banal s’enriqueix pel missatge amagat en les seves creacions, el gest dels personatges sempre té un sentit moral, i són reproduïts sense cap mena de concessió idealització o mitigació, i es la llum, sempre la llum la que hi dona el caràcter transcendent a les seves obres.
Va realitzar algunes escenes diürnes i d’altres nocturnes, que va tractar de diferent manera. Les primeres es distingeixen per la seva llum freda i clara, per la acuitat de l'escriptura i la precisió despietada del retratista registrant, amb la punta del pinzell, arrugues i vestimentes, fins el més petit detall.

Baralla de Músics.

Baralla de Músics (detall), poques vegades podem veure un rostre tant expressiu com aquest.



La Bonaventura i El trampós, dos obres de génere, cal prestar atenció al diàleg de les mirades entre els protagonistes i a l'exquisida qualitat i consistència de les figures representades.


En aquesta escena de camperols menjant, s'anticipa a la solemnitat que trovarem en les pintures de Millet, uns quants segles després.


El músic cec.


El músic de la xamfona, una de les primeres obres que va donar fama al nostre pintor.
En les escenes nocturnes – les més conegudes -, gairebé sempre il•luminades per una espelma, els colors són escassos, sovint limitats a un refinat diàleg de marrons i vermelló, i els volums es redueixen a uns quants plànols simples.

El bufador

La partida de daus

El naixement de Jesús,

"L'adoració dels pastors", notem que si no coneguessim el nom de l'obra igualment endevinariem el caràcter sagrat o religiós del que estem veient.

Cosa que no ens pasa en aquesta altre, anomenada "La puça",

El rebutg de la dona de Jacob.


L'educació de la Verge.

El somni de Sant Josep, el moment en que l'àngel li revela el Misteri de la concepció de Maria.
Aquesta economia de mitjans conduirà a l'empobriment dels seus últims llenços i a una estilització creixent que allunya i abstreu cada vegada més de la realitat als models del pintor. Cap gest, cap moviment ve a torbar el recolliment dels personatges replegats en si mateixos, absorts i reflexius.
Les persones representades per Georges de La Tour, fins i tot les més sagrades, són sempre a escala humana. Tots els seus rostres són expressius, imbuïts de noblesa, fins i tot en els moments de sofriment o de humilitat: la profunditat de la seva expressivitat, ens diu molt més que el que veiem a primera vista. Els cossos tenen l'aparença dels objectes materials produïts per un torn de terrissaire, les carns semblen plenes i sòlides com l'argila, són part de la totalitat del que s'expressa, donant a l'obra una harmonia en moviment. No obstant això, entre aquestes característiques distintives, les postures adoptades continuen sent molt equilibrades, molt tradicionals: les figures estan fermament plantades, omplint la superfície pictòrica. El classicisme d'aquesta manera d'expressió no aclapara les altres característiques de l'obra de l'artista. També cal assenyalar que Georges de La Tour no utilitza el fons en les seves pintures. Pot haver-hi alguns indicis, però la majoria de vegades només un llibre o un quadre, el suficient per situar l'escena. Fins i tot, poques vegades és troben plantes.
La seva producció convida a la meditació, especialment la sèrie de pintures dedicades a la Magdalena, totes elles constitueixen profundes reflexions sobre la penitència i la vanitat, alhora que ens fan evident l’univers espiritual de La Tour.

En tota la seva obra, Georges de La Tour va utilitzar els marrons i vermellosos com els colors dominants. Un podria pensar que això pot produir fàcilment una certa monotonia, però mirant detingudament les seves pintures, se’ns fa realitat que hi ha molts tipus de marrons, ocres, beixos, combinacions de vermell, de taronja, que combinen a la perfecció. Tanmateix, enmig d'aquesta harmonia bellament concebuda, alguns dels colors són increïblement violents. En qualsevol cas, Georges de La Tour va tractar d'aconseguir la total harmonia entre l'expressió, la forma i el color. En les seves pintures, La Tour sempre hi ha un protagonista: el joc entre llum i ombra. Això fa que la pintura vibri com la vibració dels raigs d'una flama abans de morir. A més, permet una nova gamma de colors: els grocs. A més, crea un "fons de misteri" el qual mai no és pot veure del tot. El joc de llums i ombres converteix alguns dels seus personatges en espectres, a la vegada que ressalta els seus aspectes miraculosos o sobrenaturals. Les flames donen la impressió de ser palpables i brillen com metall fos. Contràriament als lleis de la física, Georges de La Tour només dóna llum a allò que ell vol il•luminar. Això produeix una sensació d'intimitat o misteri: el "subjecte" és llepat per la llum, el fons està en la foscor. La foscor és opaca i pesada, l'aire és palpable també, la nit mai és de to negre, sinó marró. Dins o fora? Els actors estan tan ben situats que un paisatge o un fons seriosa absolutament superflu. El fons només existeix per posar fi a la composició. És troba a uns pocs centímetres o a metres de profunditat? No ho sabem gairebé mai. Els objectes il•luminats són en tres àrees: una de llum intensa, una zona de transició com un duel entre les tenebres i la llum i, a continuació, marró nit. Això dóna forma geomètrica a la il•luminació d'objectes. L'ombra i la llum presenten violents contrastos, clara, forta, o tova, difusa. Depèn de quin tipus d'escena és tracta.

La sèrie de les Magdalenes penitens constitueix un dels cims creatius de la pintura barroca europea, la sensació de profunda reflexió en que es trova immersa Maria Magdalena, la serena i alhora inquietant meditació, els suau i inconscient gest de la mà acaronant una mort en primer pla o que mira directament a l'espectador, la càlida tonalitat i la llum que ens encercla alló significatiu;els miralls símbol de la vanitat, els llibres d'una saviessa que és insuficient, la creu i la penintència que endevinem ensangrentada...


Per què les pintures de La Tour ens inspiren confiança? Crec que és perquè els seus personatges és representen a escala humana. Els sants són homes amb les mateixes activitats que les nostres. Aquesta és sens dubte la raó perquè les seves pintures van ser molt populars durant el seu temps: els espectadors poden identificar-se amb els sants. Forçosament cal al•ludir al simbolisme de la llum, a la seva significació, que respon no només a propòsits mimètics de l'art o a principis estètics de tipus compositiu, sinó també a uns altres d'ordre espiritual. Recordi's el significat religiós de la llum en els orígens de l'art medieval, influït pel pensament filosòfic de Plotí i cristal•litzat en la tècnica musivària, amb lluentors i resplendors, símbols i signes d'altra realitat més profunda, de tipus espiritual. La llum en el vocabulari figuratiu cristià respon a una emanació de la divinitat, és símbol de la presència divina i vehicle de la figuració d'un món immaterial, d'una realitat espiritual, en definitiva. El mateix sentit tenen el daurat i els fons d'or en pintura que no són altra cosa que una figuració plàstica lluminosa d'ordre espiritual, transposició més econòmica del mateix efecte aconseguit amb el mosaic.

"El taller de Sant Josep" Detall.


A “l'Adoració dels pastors” és mostra més delicat, mentre que a “Crist amb Sant Josep al taller de fusteria” és més forta.
Hi ha dos tipus principals de composicions: la versió clàssica, on les figures és planten de la manera tradicional per proporcionar imatges d'equilibri i un altre, nou, versió utilitzada per la Torre per produir noves i més dramàtiques formes d'harmonia.
"l'Adoració dels pastors” és un exemple de la "composició clàssica". Per contra, “Crist amb Sant Josep al taller de fusteria” és una nova forma d'expressió, amb mes contrasts...
Tanmateix, Georges de La Tour sempre envolta el seu tema en una espècie de roda, amb la font de llum en el centre. La roda gira i vibra, és veu clarament en Crist amb Sant Josep.
Pel que fa a les figures la seva interacció és tradueix en la forma de la superposició de les escales o la vinculació rajoles (Magdalena, Adoració dels pastors).
Totes les pintures estan imbuïdes de noblesa i solemnitat. La majoria dels seves figures són d'origen camperol –com ho serien els seus models, es clar!-, però els confereix una qualitat que transforma la seva manca de poliment en un elegant i digne “savoir être”.
Un altre aspecte de la feina de La Tour és la seva serena malenconia que, subratllada per la llum difusa i suau contrastada, no és un lament. Sigui quin sigui el resultat o el patiment, aquestes persones mantenen la calma, fins i tot, quan és troben cara a la mort, la seva expressió és resignada.
Bé dons, esperem que us hagi agradat aquest recorregut per l'obra d'aquest extraordinari pintor.